История танца

Екатерина

Ословед
Канкан (франц. cancan, буквально — шум, гам), французский танец. Появился в Париже в 30-е гг. 19 в. на публичных балах. Музыкальный размер 2/4. Темп энергичный, подвижный. Характерные па: выбрасывание ноги, прыжки. Канкан нашёл широкое применение во французской классической оперетте, особенно у композитора Ж. Оффенбаха («Орфей в аду», финал). Позднее появился на эстраде кафешантанов, где приобрёл крайнюю вульгарность. Танцовщиц канкана часто изображал французский художник А. Тулуз-Лотрек.

Думаю, что больше о канкане писать ни к чему.. лучше о стриптизе! Я когда читала его историю, мне было очень интересно, надеюсь, что вам тоже будет не скучно ;)

Стриптиз - это не просто необычная "дразнилка" (от английского "strip" - "раздеваться", "tease" - "дразнить"). Этот танец появился в глубокой древности и предназначался для услаждения богов.

Дурман-трава для смелости
Первоначально танец-обнажение носил священный характер. Во всяком случае, именно такое "божественное" объяснение давали жрецы матерям юных дев, когда забирали у них дочерей для служения культу богов.
Индийские танцовщицы баядеры танцевали в пагодах (специальных мемориальных сооружениях, хранилищах реликвий). Официально они объявлялись служительницами алтарей. Для раскрепощения девушек жрецы использовали дурманящие голову благовония, которыми баядеры душились. Их сладострастные танцы вообразить нетрудно: монотонные звуки ударных инструментов, страстный ритм и движения. Баядеры заботились о своей внешности и особенно берегли грудь: чтобы она не толстела и не теряла формы, девушки надевали специальный лёгкий деревянный футляр из двух половинок, застёгивающийся на спине. Покрытый снаружи золотым листом с бриллиантами, он подчеркивал все прелести трепещущей груди.
Алмеи: мудрость в танце
В Египте также существовал особый класс женщин, последовательниц культа Осириса - одновременно и певиц, и танцовщиц, и музыкантов. Их называли алмеями, от арабского almeh - ученый. Несмотря на то, что песни их имели эротическое содержание, а танцевальные па - ярко выраженный сексуальный подтекст, алмеи были желанными гостями даже на семейных праздниках. "Едва начинался танец, алмеи сбрасывали вместе с плащом и стыдливость своего пола", - пишет один исследователь. Историк отмечает и подвижность мимики, которая зависела от исполняемой роли - девушки были неплохими актрисами. В танце, исполняемом под мелодии флейты, особенно четко выделялись их тела, а шелковые платья уже в те времена служили безошибочными способами привлечения мужских взглядов.
Библейский след учёных чаровниц
Были алмеи и у евреев. Существует свидетельство евангелиста Марка о том, как восточная пляска алмеи очаровала сынов Израиля: на дне рождения Ирода, куда был приглашен весь высший свет Галилеи, присутствовала танцовщица Соломея. После её выступления восхищённый царь заявил, что даст ей всё, что она пожелает. Соломея потребовала голову Иоанна Крестителя, изобличившего связь её матери с двумя родственниками, - и действительно получила её.
Разгул чувственности в Вавилоне постепенно превратил священное удовольствие в общественное. Квинт Курций в "Истории Александра Великого" отзывается о ассирийской столице крайне неодобрительно: "Нельзя представить себе ничего более распутного, чем этот народ… Женщины на пирах снимали свои верхние одежды, потом остальное платье, одно за другим, постепенно обнажали своё тело и, наконец, оставались совершенно нагими. И так распущенно вели себя не публичные женщины, а самые знатные дамы и их дочери".
В Греции всё было
Гетеризм достиг пика популярности в эпоху эллинизма, в 4-3 веках до н. э.
Гетеры, античные куртизанки, считались элитой общества и оказывали влияние на его культурную жизнь.
Известная и роковая гетера Греции, любимица скульпторов, Фрина стала первой женщиной, юридически пострадавшей за публичное обнажение.
Один раз в год, на празднествах, устраиваемых в честь Нептуна и Венеры, Фрина выходила из своего уединенного жилища, сбрасывала свою одежду на ступеньках храма, и, прикрывая наготу роскошными длинными черными волосами, под восторженные крики толпы шла к морю. После ритуального купания она ложилась на песок и позволяла любоваться собой всем желающим. Гладкая кожа, жемчуг воды в волосах, упругие линии тела - нетрудно себе представить, как действовала на мужчин подобная картина. Один из тщеславных почитателей Фрины, которому она отказала в свидании, написал жалобу в городской суд. Фрина была обвинена в развращении нравов горожан, что несло за собой обязательный приговор к смертной казни. Когда обвинитель уже заканчивал свою речь, один из горячих почитателей Фрины, Гиперид, убедившись в беспомощности ораторского искусства, подвел знаменитую куртизанку к барьеру и сорвал с нее одежду. Изумлённые судьи лишились дара речи: сама божественная Афродита стояла перед ними!
Гиперид, не теряя времени, потребовал оправдания для Фрины: во имя красоты, гармонии и совершенства форм, которые всегда высоко ценились греками. Доводы убедили высший суд, и обвинение было снято.
Шелка императрицы
Ярким примером тот, что эротический танец был распространён и в Римской Империи, служит Феодора, византийская императрица, супруга Юстиниана Великого. До принятия трона она была циркачкой и, по утверждению историка Прокопия, "развлекала толпу обнажением и развратными жестами". Зеленоглазая бестия, Феодора действительно появлялась на арене только в шелковом шарфе и сожалела, что ей не позволяют выступать обнажённой, как она делала это на репетициях. Скандальная репутация акробатки не помешала Феодоре стать женой Юстиана и фактически забрать бразды правления в свои руки.
Феодора перечила общественному вкусу во всём: в Древнем Риме темные волосы считались признаком порядочности и домовитости, поэтому куртизанки носили парики разных цветов.
Именно изощрения Феодоры в поисках привлекательности обернулись для человечества вечной модой - на блондинок. Готовясь к пирам и праздникам императорского двора, она придавал своим волосам поразительный голубой оттенок и, кроме того, присыпала их порошком золота.
Студенческий стриптиз
Родиной стриптиза в его современном виде является, конечно же, Франция. Но вплоть до конца 19 века максимум, что дозволяется увидеть мужчинам, -- это небольшой участок обнажённой кожи, заключенный в объятья чулка и подвязки. Но вот летом 1893 года, 111 лет назад, во время традиционного бала студентов художественных училищ, две барышни, разгорячённые атмосферой и шампанским, прыгнули на стол и под звуки музыки стали медленно раздеваться, пока на них не осталось ни одной волнующей тряпицы.
История сохранила их имена: Манон Лавиль и Сара Браун. Против участников этого бала полиция Парижа завела уголовное дело, а некоторых из них (в первую очередь - проказливых барышень) приговорили к крупным денежным штрафам. Подобные действия вызвали волну протестов среди французских студентов, произошло несколько схваток со стражами порядка, один из защитников свободы раздевания был убит… Страсти были нешуточные, но верх одержали студенты: табу на стриптиз было снято.
Стриптиз начала исполнять Мата Хари, сочинив легенду о том, что училась таинственным восточным методикам обнажения. Айседора Дункан тоже не стеснялась танцевать с обнаженной грудью. После покорения Европы и Америки, Айседора, возлюбленная Сергея Есенина, бабочкой перепорхнув в революционную Россию. В начале 20 века она вышла на российскую сцену без чулок и в прозрачном газовом платье. Не успела публика оправиться от шока и как следует насладиться обнаженными ножками Айседоры, как ей на смену вышли две абсолютно голые ученицы Дункан - из тех, кто покуражистее и посмелее. Так, в финале первой русской революции, точно к началу V съезда партии Елена Рабенек и Ольга Десмонд обнаженными и затанцевали.
На их последующие выступления невозможно было достать билетов. В конце концов городская управа, проявляя заботу о нравах жителей, выступления Ольги Десмонд запретила. Что же касается самой Ольги Десмонд, то она настойчиво отстаивала свое право выступать обнаженной. "Пусть будет это дерзко, смело, как хотите называйте мое появление на сцене, но этого требует искусство".
Характерно, что в погоне за целомудренностью царская полиция упустила из виду раскол социал-демократической партии на большевиков и меньшевиков, который удивительным образом совпал с первыми эротическими опытами на отечественной сцене.
Революция большевиков тоже не обошлась без стриптиза. Ленин всерьез подумывал об организации нудистских пляжей, а Харьков помнит толпы голых людей, которые в 20-х годах прошлого века устраивали демонстрации под лозунгом "Долой стыд!" Впоследствии, как известно, страна прикрыла революционную наготу, и реплика "У нас секса нет!" в конце восьмидесятых прозвучала почти как неизлечимый диагноз. Но пришли девяностые с их сексуальной свободой на грани. В Россию хлынул поток информации - в том числе и эротического характера -- с Запада. Мы узнали, что стриптиз - это, оказывается, не скрытая форма проституции, а увлекательное творческое занятие.
Особенности национального стриптиза
Сейчас стриптиз-шоу включаются в программы практически любой клубной вечеринки и являются плодом не запретным, а, скорее, приевшимся. И всё же в каждой стране есть свои особенности его исполнения.
В США и Канаде "высокий" класс стриптиз-баров канул в прошлое: теперь этот танец призван скрасить поедание традиционной американской сосиски. Располагаются такие заведения в рабочих кварталах, поэтому вся обстановка, за исключением обязательного силиконового бюста стриптизёрши, здесь естественна.
В Австралии распространён "неполный" стриптиз дорогих варьете: там девушки ни за что не расстанутся с шикарным нижним бельём.
В Германии эротических развлечений столько, что в последнее время возникло такое явление как антистриптиз: дама, мягко говоря, преклонного возраста выходит в легком танце к зрителям, и посетители во избежании душевных травм платят ей, чтобы она оделась.
Таиландский стриптиз -- дешевый и физиологичный. Употребление неожиданных предметов, поначалу вызывавшее восторженное изумление туристов, скорее отбивает, чем провоцирует желание. Теперь его популярность сродни успеху разных шоу с крокодилами или акулами.
Самые дорогие расценки на стриптиз - в Эстонии. Вечер в обществе легкомысленной дамы обойдется там в 250 долларов.
В ранг искусства возведен танец без одежды во французском кабаре "Crazy Horse", которое по сей день продолжает радовать посетителей незабываемыми представлениями. Завсегдатаи говорят, что стриптиз от парижских "бешеных лошадок" - это очень красиво, изысканно и талантливо.
Франция вообще решила возродить древнейшие традиции стриптиза и сделать его более популярным. Так, руководство нового магазина белья "Galeries Lafayette" провело любопытную акцию: неделю после открытия супермаркета всех покупательниц бесплатно обучали приемам стриптиза. Учительница Леа объясняла женщинам, как правильно снимать юбку, чтобы на заключительном этапе она не запуталась в туфлях на шпильках, и что застёжки на блузке следует расстёгивать снизу вверх. Уроки, по отзывам, были артистичными, а не в коей мере не вульгарными. Мужчины на занятия не допускались.

вот, пожалуй, самое известное музыкальное сопровождение стриптиза ;)
 

    GoL

    очки: 19
    Это Вам")))

    Karadok

    очки: 9
    очень хорошая тема, спасибо)

Екатерина

Ословед
Фламенко

La gitana que yo camelo
tiene los ojos azules
de tanto mirar al cielo
перевод:
"У моей цыганки
глаза голубые
оттого, что часто смотрят в небо"
Эта копла была написана на стене
в городе Алкала де Гуадаира
(перевод М.Райд)

Фламенко.. ах! Самый страстный танец, который не каждый сможет станцевать, в котором столько смысла столько граней, что и понять его сможет тоже не каждый..

ИСКУССТВО ФЛАМЕНКО - неразрывная связь народного танца, пения, гитарной импровизации под
Титул музыкального сборника
«Испанские народные танцы»
представляет собой интереснейшее явление фольклора самой южной провинции Испании, Андалусии. Сейчас, когда оно известно не только всей Испании, но и всему миру, когда проблеме фламенко немало страниц посвятили исследователи народного творчества, писатели и поэты, когда многими исполнителями - "байлаорами", "кантаорами" и "токаорами" (танцовщиками, певцами и гитаристами фламенко) - оставлены воспоминания, содержащие анализ особенностей этого жанра, трудно поверить, что в первой четверти 20-го века это искусство находилось на грани вымирания, постепенно опускаясь до уровня низкопробной кафешантанной "испанщины" (правда, в настоящее время американизация многих аспектов мировой культуры приносит и здесь свои негативные плоды).

В начале XX века первыми забили тревогу крупнейшие представители творческой интеллигенции Испании - один из её лучших поэтов и один из её лучших композиторов, Федерико Гарсиа Лорка
рисунок Х.Гарсии-и-Рамоса
и Мануэль де Фалья. По их инициативе был организован первый фестиваль андалусского народного пения - канте хондо, состоявшийся в Гранаде 13 - 14 июля 1922 года, а 19 февраля того же года Гарсиа Лорка выступил в Гранаде с лекцией о канте хондо. Примерно тогда же он создал поэтическую книгу с таким же названием. Что касается Мануэля де Фальи, то, использовав в своих музыкальных произведениях мелодии фламенко и канте хондо, он подарил народному искусству Андалусии всемирную известность.

Что же такое фламенко и что такое канте хондо? Каковы особенности древнейшего народного искусства Андалусии, передающегося от поколения к поколению?


Этимология слова "фламенко" до сих пор не совсем ясна, во всяком случае, у фольклористов нет единого мнения по этому вопросу. Существует предположение, что оно происходит от латинского слова "огонь" (flamma). Народные андалусские танцы и песни якобы заслужили это название своим страстным, "огненным" характером.

Распространена также гипотеза, что искусство фламенко было занесено в Испанию цыганами, пришедшими из Фландрии ещё в XVI веке, во времена Карла V. От слова "Фландрия" будто бы и происходит название этого жанра. Есть и другая разновидность той же гипотезы. К фламандской знати, заполонившей в XVI веке испанский двор, занявшей - иногда обманом и хитростью - самые высокие посты, народ относился с ненавистью и презрением как к выскочкам, проходимцам. Любая знать, уверовав в свою неимоверную значимость, теряет чувство меры и порою переходит рамки дозволенного, разумеется, это вызывает в народе раздражение, но оно еще большее, когда эта знать пришлая. А если это ещё и не знать... Слово "фламенко" - "фламандец" приобрело, таким образом, презрительный оттенок и стало обозначать хитреца, пройдоху. Цыган, согласно этому предположению, никакого отношения к Фландрии не имевших, в народе тоже стали называть "фламенко" именно в значении "бродяги", "обманщики".

Некоторые исследователи возводят это слово к названию птицы фламинго (по-испански "фламенко"). Повод для такого предположения дают костюмы танцоров, подчеркивающие стройность фигуры, а также причудливость движений этой экзотической птицы.

Как бы то ни было, точная этимология слова "фламенко" до сих пор не выяснена, и все гипотезы весьма спорны. Слова "фламенко" и "хитано" (gitano - цыганский) в Андалусии синонимы. Ф. Гарсиа Лорка и Мануэль де Фалья придерживались гипотезы об индийском происхождении цыган. Согласно которой, цыганские племена, изгнанные в 1400 году из Индии войсками Тамерлана, перекочевали в различные страны Европы и вместе с войсками сарацинов переправились в Испанию. "Цыгане, добравшись до нашей Андалусии, - говорит Гарсиа Лорка в лекции "Канте хондо", - объединили древнейшие элементы местных песен с тем древнейшим началом, которое принесли они сами". По мнению Лорки, основные элементы искусства фламенко существовали в Андалусии с незапамятных времён, задолго до появления в Испании смуглолицых выходцев из Индии: "Речь идёт об исключительно андалусском жанре, который существовал у нас в зародыше ещё до появления цыган в нашей провинции" - писал поэт.

Альфонсо Пуиг Кларамут предлагает искать истоки этого искусства в далёких временах, в эпоху первобытного человека. Не о том ли говорит Гарсиа Лорка, восхваляя цыганскую сигирийю, которую он объявляет древнейшей мелодией-прародительницей? "Цыганская сигирийя рисовала моему воображению (ведь я неисправимый лирик) дорогу без конца и начала, дорогу без перекрестков, ведущую к трепетному роднику "детской" поэзии, дорогу, на которой умерла первая птица и заржавела первая стрела. Цыганская сигирийя начинается жутким криком, который делит мир на два идеальных полушария, это крик ушедших поколений, острая тоска по исчезнувшим эпохам, страстное воспоминание о любви под другой луной и другим ветром". По мнению поэта, перед нами древнейшее искусство, восходящее к трелям птиц, шелесту леса и журчанию ручьёв, к естественной музыке природы.

Различные исследователи отмечали следы различных влияний в искусстве фламенко, в основном восточных: арабских, еврейских и, как уже говорилось, индийских. Однако это именно влияния, а не заимствования. Искусство фламенко, вбирая в себя черты искусства народов, в различные времена обитавших на Иберийском полуострове и ассимилировавшихся местным населением, не теряло своей самобытной основы. Не напластования разнородных элементов восточного фольклора, а их драгоценный, единый и неделимый сплав с народным искусством Андалусии видим мы в пении и танце фламенко, которое нельзя отнести к восточному искусству. Корни этого искусства уходят и в античность - ещё за 200 – 150 лет до н. э. на Пиренейском полуострове утвердились римляне. Ко времени Цицерона и Юлия Цезаря южная часть Испании романизировалась, а её музыкальная культура подчинилась эстетическим направлениям и вкусам, доминировавшим в поздней античности. Сначала в Александрии, а затем и в Риме получил яркое развитие новый театральный жанр - пантомима. Место трагического актёра занял танцовщик. Если хор не исчез со сцены, то центр тяжести переносится
Самые древние
"кастаньеты"
в инструментальное сопровождение. Новая аудитория ищет новых ритмов, более подчёркнутых, и если на римской почве танцовщик отбивал метр с помощью ”scabelli” (деревяшки на подошве), то эпиграммы Марциалла говорят о танцовщицах из испанского Кадиса со звонкими кастаньетами…

Жанр фламенко получил международную известность, когда в мае 1921 года целое представление фламенко было включено в программу русского балета, выступавшего в Париже, в театре "Гайет Лирик". Это представление было организовано импресарио Сергеем Дягилевым, во времена своих поездок по Испании разглядевшим большие театрально-сценические возможности фламенко.

Другим театрализованным представлением фламенко, поставленным на не менее прославленной сцене, стало "Кафе Чинитас". Название выбрано по имени знаменитого кафе в Малаге, в основу действия положена одноимённая песня Федерико Гарсиа Лорки, декорации выполнены Сальвадором Дали. Представление состоялось в театре Метрополитен в Нью-Йорке в 1943 году.

Впервые оркестровка мелодий фламенко для сцены была осуществлена Мануэлем де Фалья в его балете "Любовь-волшебница" (El Amor Brujo) - произведении, пронизанном духом фламенко.

В нашей стране представление о фламенко можно было составить по фильму испанского кинорежисёра Карлоса Сауры "Кармен", прошедшему на большом экране в 80-х, где в главных ролях снялись знаменитый гитарист Пако де Лусия и известнейший "байлаор" Антонио Гадес.

Но не театрализованными постановками и грандиозными шоу интересно фламенко – искусство живое, поистине народное; искусство, уходящее своими корнями в далёкое прошлое. В самом языке отразилось то древнее чувство, которое будит в испанце песня – первое, что слышит он новорождённым, и последнее, что звучит над его прахом (ещё в XIX веке на средиземноморском побережье звучала погребальная хота и в Аликанте последний долг умершему отдавали песней и танцем). ”Море поёт” или ”ветер поёт” для нас уже стертые метафоры. По-испански поёт всё, в прямом смысле: поёт кузнечик, жаба, даже змея (”canta la culebra” - обыденное выражение). Пением обозначены голоса живого. Жизнь и песня сроднились не только в народном быту, но и в сознании, и, без особых преувеличений, пение для испанцев – ещё один способ говорить, не менее привычный, но более убедительный.

Известно, что ещё в древности иберийское искусство волновало соседей, даже тех, кто привык смотреть на варваров свысока; об этом свидетельствуют античные писатели. Среди других свидетельство Страбона: распятые легионерами мятежные турдетане, умирая, пели. По всему Средиземноморью, опоясав mare nostrum, росли кресты, но эти распятые с имперской окраины запомнились учёному греку. Можно лишь гадать, кому они пели, о чём и даже на каком языке, но эхо длится и тени распятий пронизывают андалусский фольклор.

Турдетанией назывался запад теперешней Андалусии (Уэльва, Севилья, Ронда, Херес), тот самый уголок испанской земли, где звучат цыганские песни-плачи – канте-хондо, где родилась песня молитва о всех замученных – андалусская саэта. Историческое совпадение – или действительно кровь, пропитавшая землю, не высыхает? Всегда есть те, кто ”слышит пролитую кровь”; в Андалусии они становятся кантаорами. Известная Аника ла Пириньяка уже в старости сказала: ”Когда я пою от души, во рту у меня привкус крови”. Другой кантаор начала 20-го века, легендарный Мануэль Торре, слушая игру де Фальи, заговорил о ”чёрных звуках”. ”Нет большей правды, - откликнулся в одной из лекций Гарсиа Лорка, - эти чёрные звуки – тайна, корни, вросшие в топь, про которую все мы знаем, о которой ничего не ведаем, но из которой приходит к нам главное в искусстве”. Сам Мануэль Торре на вопрос, что такое ”чёрные звуки”, ответил кратко: ”Ducas negras”. Смертные муки (”дукх” – по-цыгански ”боль”). Народные певцы знали, как непросто, порой жестоко и всегда трудно торжествует жизнь, и, наверно, самым печальным это знание было у певцов Андалусии – кантаоров. Но в человеке жизнь тогда и торжествует по-человечески, когда над жизнью торжествует песня.

Хочется сделать акцент на том, что главная черта испанского пения – полное господство мелодии над словом. Всё подчинено мелодии и ритму. Мелизмы не расцвечивают, а строят мелодию. Это не украшение, а как бы часть речи. Музыка переставляет ударения, меняет метры и даже превращает стих в ритмическую прозу. Богатство и выразительность испанских мелодий общеизвестны. Тем удивительней вкус и требовательность к самому слову (здесь Вы не встретите ни одной чисто мелодической, бестолковой песни).

Детище Андалусии, канте-хондо не похоже на цыганские песни других стран, но мало похоже и на остальные андалусские песни. Это особый мир, возникший и замерший на узкой полосе между Севильей, Рондой и Хересом-де-ла-Фронтера, - античное эхо, преображённое плакучим воздухом Востока.

Самыми старинными, ”доцыганскими” формами считаются канья и солеа. Солеа (или множественное ”солеарес”) – это ”soledad” в андалусском произношении и в старинном, фольклорном значении тоски и сиротства: ”Soledad tengo de ti, tierra mia do naci”. Название ”канья” возводят к арабскому ”ганнис” (песня). Но, возможно, этимология проще. Сейчас канья исчезает, но ещё в 19 веке её пели и даже танцевали ”al compass y ruido que se debe” - отбивая ритм, наподобие кастаньет, двумя обрубками тростника (caсas). Возможно, мартинете с его ясным и мужественным при всём трагизме звучанием цыганские кузнецы унаследовали от прославленных андалусских оружейников. Но всегда называлась цыганской siguiriya gitana – ”цыганская сигирийя”, ставшая едва ли не олицетворением канте-хондо. ”Глубокое” или, иначе, ”большое пение” (cante grande) названием обязано не одной только сложности. Оно действительно трудное – долгие и насыщенные мелодические фразы исполняются на едином дыхании, ритм изменчив и своенравен, а звукоряд, с интервалом в четверть тона и меньше, невнятен для слуха, не приученного к нему с детства. Вне Андалусии канте-хондо ценят немногие и подражать ему не пытаются. Но есть ещё родственное ”большому” и достаточно нелёгкое ”среднее пение” - такие драматические формы, как петенера и андалусское фанданго (малагенья, ронденья, гранадина), - и, наконец, ”малое” (cante chico) с его плясовыми мелодиями неистощимой выдумки. Всё это лишь часть андалусского фольклора, а канте-хондо – часть этой части. Малая, как сердце.

К ”большому пению” примыкают ещё две формы – саэта и серрана. Саэта – в сущности, та же канья или сигирийя, поэтически ограниченная религиозным сюжетом и близкая, однако, своей поэтикой плача к тюремным песням о смертниках, изгоях и материнских слезах. Серрану часто отлучали от ”большого пения” на том основании, что канте-хондо требует аудитории, пусть самой избранной. Серрана звучит в вольном воздухе Сьерра-Морены; это песня погонщиков, и заводят её одиноко, для себя (вспомним ”Что вижу, о том и пою,… однако”). Тем не менее на гранадском конкурсе канте-хондо 1922 года, в присутствии таких авторитетов, как Мануэль де Фалья, Гарсиа Лорка и Андрес Сеговия, первую премию получила исполненная 70-летним пастухом серрана…
__________________
 

Екатерина

Ословед
История танца Венский вальс - Viennas Waltz

Венский вальс
Год создания: 1775
В 1924 Имперское Общество учителей танца (the Imperial Society of Teachers of Dancing - ISTD) решило стандартизировать танцы, известные в то время. Специальный отдел ISTD, комитет по бальным танцам начал заниматься этим важным делом. В состав комитета входили : Miss Josephine Bradley, Miss Eve Tymegate-Smith, Miss Muriel Simmons, Mrs Lisle Humphreys, Mr Victor Sylvester (самый известный в наше время), которые были самыми лучшими и популярными исполнителями бальных танцев в те годы. Все танцы из современной европейской программы были более-менее подробно описаны, за исключением Венского вальса, который был не очень популярен в Англии. Единственным настоящим вальсом тогда считался "английский вальс" (сейчас - медленный). Венский вальс позднее был добавлен к списку ballroom, или европейских танцев, но так и не был включен в конкурсную программу Блэкпульского фестиваля... Первое упоминание о танцах, подобных вальсу, относится к 12, 13 столетию, когда в Баварии танцевали "Nachtanz". Основные споры вызывают две версии происхождения танца - германская, в Англии долго называли его " немецкий" вальс, и французская, точнее, французско-итальянская. Очевидно только одно - венский вальс точно не из Австрии, а называют его так, поскольку пик популярности он пережил в начале 19 века в Вене под музыку Штрауса. Рассмотрим обе версии, при этом стоит заметить, что большинство исследователей считает его все-таки французским... Вальс - это танец, который исполняется под музыку с тремя ударами в такте. Каждый такт начинается с ударного счета, а заканчивается менее выделенным, что создает большие трудности для начинающих, а для опытного танцора такой ритм создает восхитительные романтические переливы. Историю танцев на "три четверти" можно проследить достаточно легко, поскольку большинство танцев танцевалось и танцуется на два и четыре счета ( все таки ног у нас две!), а танцев на три счета не очень много. Один из первых танцев в ритме "три четверти" - крестьянский французский танец из Прованса (Provence),о годе появления которого - 1559, писала Парижская газета " Ла Patrie " ("Родина") 17 января 1882 года. Этот танец исполнялся под народную музыку, называемую "Volta", хотя с данным названием в то же время существовал народный итальянский танец. На итальянском слово "volta" означает "поворот". Уже в первых вариантах танца основой его являлось непрерывное вращение. В течение 16-ого столетия вольта становится популярной в залах королевских судов Западной Европы, где тогда проводились танцы. Arbeau описывает этот танец похожим на "гальярду"(Galliard), исполняемый под музыку в ритме 3/2, но быстрее. При этом вольта и гальярда танцевались в пять шагов на шесть ударов по музыке. В вольте партнеры танцевали в закрытой позиции, но леди смещалась влево относительно джентельмена! Партнер держал партнершу за талию, леди клала правую руку на плечо джентельмена, поддерживая юбку левой рукой. Платье приходилось держать, поскольку во время вращений юбка запутывалась вокруг пары и мешала двигаться дальше. Самое известное изображение этого танца - картина, на которой нарисована королева Англии Elizabeth I, танцующая вольту с графом Ланкастером (Leicester), взлетающая над полом в руках графа. Интересно, что фоном картины является зал Французского королевского суда! Вольта тех дней похожа на современный, норвежский фольклорный вариант вальса. Как в любом танце со вращениями, так как один из партнеров фактически выполняет шаги вокруг другого, их приходится делать длиннее, чем в обычных шагах в сторону. При этом обычно ноги партнера длиннее ног партнерши, и для того, чтобы партнерша могла обойти партнера, в норвежском вальсе он поднимает ее над полом и переносит по воздуху. В вольте партнеры делали то же самое, при этом так держась друг за друга, что в светском обществе танец стал считаться крайне безнравственным и был запрещен королем Франции Луи XIII (1610-1613). Вольта, изначально исполнявшаяся на три счета, но фактически в пять шагов, постепенно стала исполняться под музыку в пять счетов. Очередные описания танца на три счета под названием "Hole in the Wall" были сделаны Playford в 1695. На этом кончается история вальса во Франции... В 1754 в Германии появилась первая музыка, которая отдаленно напоминала современные вальсы и называлась "Waltzen". До сих пор исследователям, изучающим происхождение современных танцев, неизвестно, каким образом происходило слияние и взаимодействие двух танцев - "Waltzen" и "Volta", хотя по-немецки слово "waltzen" тоже означает " вращаться". Музыка, по ритму и характеру совпадающая с современными мелодиями венского вальса, появилась в 1770 году. Танцы, "похожие на вальс", впервые исполнялись в Париже в 1775 году. "Waltzen", как и вольта, не соответствовал нормам морали того времени,в 1779 году появился памфлет некоего "Волка" (Wolf) под названием: " Доказательства того, что вальсирование - основной источник слабости тела и вырождения нашего поколения". В 1799 Arndt описывал этот танец: " Леди подняли длинные платья так, чтобы не запутаться и не наступить на них, платья понесли их, как ковер, над землей, прижимая тела партнеров близко друг к другу..." Однако танец стал очень популярным в Вене. Специально для вальса открывались большие танцевальные залы, такие как "Sperl" в 1807,"Apollo" в 1808 (в котором могли разместиться 3000 пар!). В 1812 танец появляется в Англии под названием "немецкий вальс" и вызывает большую сенсацию, наибольшей популярности достигая в 1816 году. Разгневанный лорд Байрон в 1813 году, увидев свою жену в руках друга на недопустимом расстоянии, писал: " Здоровый джентльмен,как гусар, раскачивается с дамой, как на качелях, при этом они вертятся подобно двум майским жукам, насаженным на одно шило". Борьба против "немецкого вальса" продолжалась, в 1833 в книге "Правил хорошего поведения" Мисс Селбарт писала:" этот танец - только для девиц легкого поведения!". В 1999 году, 3 июня, исполнилось сто лет со дня смерти Йохана Штрауса, "Короля вальсов". Он родился 25 августа 1825 года в Вене, умер в 1899 году. Отец его, родившийся в Вене в 1804 году, был тогда самым популярным композитором в Австрии, звали его тоже Johann Strauss. Благодаря его воспитанию, а также тому, что оба они родились в Вене, вальс стал носить имя "венского". Очень долгую по тем временам жизнь "Король вальсов" прожил в музыке, написав более 500 вальсов, различные польки, кадрили, марши. Он был трижды женат, его первая жена Jetty Treffz, певица, убедила его попробовать силы в оперетте, и его "Летучая мышь" (1874) и "Цыганский барон" (1885) стали классикой оперетты. Огромное число композиторов середины 19 века, братья и племянники Штрауса писали вальсы, вдохновленные творчеством Йохана Штрауса (Johann Strauss).
 

Екатерина

Ословед
Танго

Танго, самый страстный и эффектный танец, на мой взгляд..

Танго - это танго
Происхождение танго очень сложно, и корни его ведут в глубь веков. В течение XX века танго много раз менялось: от аргентинского к французскому, от французского к танго английского стандарта. Появились меланхолические варианты танго-блюз и многие другие разновидности. Давайте вместе окунемся в волнующий мир этого уникального танца и попробуем проследить его историю от рождения до наших дней….

Страстное, чувственное танго так много значит в жизни многих людей! В Европе и во всем мире есть немало танцев, и каждый из них передает какое-то конкретное чувство, настроение. Романтичный вальс, бурный рок-н-ролл, самба, хранящая в себе атмосферу карнавала. Вопреки сложившемуся мнению, танго, которое очень многие считают грустным танцем, соединяет в себе и романтику, и огонь, и блеск карнавала, е еще многое, многое другое. Рожденное на грязных портовых улочках Буэнос-Айреса танго пережило необычный взлет, покорив даже парижский высший свет, но при этом осталось верным тому месту и тем людям, которые дали ему жизнь.
Последние годы девятнадцатого века. Европу одолевают голод и разруха. Молодые люди, лишенные работы и надежд на лучшую жизнь, покидают свои дома и переселяются в поисках счастья за океан, в Южную Америку. Тысячи таких обездоленных людей сходят с кораблей на причалы Буэнос-Айреса, новой столицы Аргентины.
И хотя в те годы жизнь в Аргентине была полегче, чем в Европе, приехавшие молодые люди оказывались здесь в положении чужаков и часто оседали в нищих грязных кварталах на окраине большого города. Но это не останавливало их и поток иммигрантов постоянно рос и к 1914 г. их число превысило количество коренных жителей Буэнос-Айреса в три раза. Приблизительно половина приехавших была родом их Италии. Треть прибыло из Испании. Ла Бока, старый портовый район Буэнос-Айреса, стал тем местом, где селились большинство итальянцев. И именно с Ла Бокой связаны самые яркие страницы в истории танго.

С приходом иммигрантов из Ла Боки вскоре исчезли жившие здесь прежде местные жители – гаучо. Они растворились на бескрайних прериях еще до рождения танго, но, несомненно, оставили свой след в стилистике нового танца. Однако считать их родоначальниками танго будет исторически некорректно.
Само слово танго, как полагают, имеет африканское происхождение и означает «место встречи» или «особое место». Однако из этого вовсе не следует, что и танец танго как-то связан с Африкой. Рождению танго способствовали и кубинская хабанера, и испанская контраданца, и афро-аргентинские кандомбе, однако самым сильным было влияние милонги. Слово «милонга» означает «вечеринка» или «фиеста». Музыка милонги живая, радостная и даже веселая. Нет сомнений в том, что иммигранты из Европы частенько посещали местные танцы и переняли из милонги некоторые па. Ставшие впоследствии фигурами танго.

Выходцы из Европы старались держаться общиной, но и она не спасала от отчаяния и крушения. Все это находило отражение в песнях, где грусть, одиночество и тоска смешивались с надеждой и стремлением к счастью. Именно в этих песнях в узких портовых кварталах Буэнос-Айреса вскоре и родилось танго.

Сначала танго было танцем мужчин. Да, да. Не удивляйтесь, ведь подавляющее большинство выходцев из Европы составляли молодые люди – их было в пятьдесят раз больше, чем женщин-иммигранток. Эти молодые люди были частыми посетителями местных танцевальных школ и дешевых кафе, где за отдельную плату можно было потанцевать с официантками. Умение хорошо танцевать становилось жизненно необходимо - ведь порой только таким образом молодой человек мог произвести на девушку впечатление, привлечь ее внимание, добиться расположения. Отбросив традиции европейского танца, молодые иммигранты активно искали собственные пути самовыражения, создавая новый танцевальный стиль, призванный покорить женское сердце.

Поначалу танго игралось на гитаре, флейте и скрипке. Однако вскоре лидирующим инструментом стал бандонеон. Часто говорят, что бандонеон – душа танго и само танго обязано своим появлением на свет именно этому инструменту. Благодаря глубокому, звучному голосу бандонеона танго стало тверже, напряженнее, шире, а порой меланхоличнее. Часто слова, сопровождавшие мелодию, выражали озабоченность утомленных жизнью людей. Энрике Сантос Диссеполо, один из известнейших поэтов, писавший стихи и музыку танго, сказал однажды: «Танго – это грусть, заставляющая танцевать». Но танго заставляет людей танцевать не только потому, что оно так грустно. Просто музыка этого танца несет в себе вызов, толкает людей к тому, чтобы выразить через танец свои самые глубинные чувства и переживания.

В 1912 г. в Аргентине был принят закон о Всеобщем избирательном праве, принесший людям долгожданную свободу, и, как это может показаться странным на первый взгляд, давший новый импульс развитию танго. Танго очень скоро перестало быть танцем бедняков с окраины и принялось завоевывать высший свет. Во всех фешенебельных районах Буэнос-Айреса как грибы после дождя вырастали Танго-салоны. Затем танец покорил Северную Америку и докатился до Европы. Танго зазвучало и в Нью-Йорке, и в Лондоне , и в Париже. Танцоры танго стремительно входили в моду.

Бескомпромиссный, смелый, откровенный характер танго не мог не нажить себе врагов. Они появились и были людьми весьма авторитетными. Так, парижский кардинал Аметт заявил: «Человек, считающий себя христианином, не может принимать участия в этом безобразии». Римский папа Бенедикт ХI: «Этот грубый, непристойный танец оскорбляет семью и общество», а Кайзер Вильгельм поступил еще проще. Он издал приказ, запрещающий офицерам германской армии танцевать этот «похотливый и возмутительный танец», если на них надет мундир.

В годы первой мировой войны, несмотря на все ее ужасы и невзгоды, люди не забывали про танго. Танго как нельзя лучше отвечало ожиданиям людей, мечтающих о свободе, и поэтому его популярность продолжала расти. Когда война закончилась, танго вступило в свои «золотые годы» - в 1920-е. И если танго было столь популярно в Европе, то что тогда говорить о Буэнос-Айресе? Здесь по танго сходили с ума. Имена известных исполнителей танго – музыкантов, певцов и, в первую очередь, танцоров становились нарицательными, в честь них многие аргентинцы называли своих детей. Аккордеонисты и танцоры купались в золоте в прямом смысле слова.
Золотой век танго длился более 10 лет. Но, как и все на свете, этот период закончился. И закончился так же бурно, как и протекал. Сразу же после военного переворота, происшедшего в Аргентине 6 сентября 1930 года, начался период гонения на танго. Новая власть, озабоченная и не уверенная в себе, увидела в танго опасность для себя. Танго казалось захватившим власть военным излишне свободолюбивым и бунтарским танцем.

В Европе танго переживало период трансформации. Классическое аргентинское танго не укладывалось в новые музыкальные формы и идеи, а поэтому его стиль быстро и жестко начал меняться. Дорожка, столь характерная для прежнего танго, была заменена кружением по всему периметру бального зала, сам характер танца стал более быстрым, угловатым, музыка танца приобрела более агрессивный характер. На первый план в оркестре стали выходить ударные инструменты. Из современных европейских танцев в танго ввели несвойственные ему резкие движения головой. Начал складываться некий международный стандарт танца, все больше и больше уходивший от оригинала.

С конца 1930 –х годов стал набирать силу измененный стиль танго, получивший название «Английское танго». Часто этот стиль называют также «Современным танго».

Современное танго значительно отличается от оригинального и подлинного аргентинского танго. Уже в начале 1930-х годов танго настолько изменилось, потеряв свой первоначальный вид и дух в процессе приспосабливания его к соревнованиям по танцам и к широкому исполнению на танцевальных вечерах, что фактически превратилось в совершенно другой танец. Жесткому, дерзкому стилю современного танго присущи резкие, преувеличенные движения головой, но такой стиль вовсе не обязательно осваивать для того, чтобы просто наслаждаться танго. В конце 1990-х годов широкое распространение получает направление салонного стиля танго, которое удачно сочетает наиболее интересные и яркие фигуры аргентинского танго и английского танго. Экспрессия и дух аргентинского стиля сочетаются с четкостью и последовательностью стиля английского. Подобное танго легко в обучении для начинающих танцоров и исполнять его можно везде, а не только на соревнованиях с их английским танго или только милонгах , где собираются любители только аргентинского танго.

Но вернемся к нашей истории ТАНГО.

В 1950-е годы в самом Буэнос-Айресе продолжается закат танго. Стареющий президент Перрон не справлялся с управлением страной, и положение в экономике оставалось нестабильным. Да и бывшие иммигранты уже стали стопроцентными аргентинцами. Так и ушли из танго важные его составляющие – ностальгия по родине, грусть, одиночество, страсть.

В разваливающейся стране стало не до оркестров танго. Танго продолжали играть небольшие группы музыкантов, но теперь публика чаще слушала музыку – и не танцевала. Неудивительно, что постепенно родился новый стиль «El Nuevo Tango» - стиль, рассчитанный, прежде всего, на слушателя, а не на танцора.

Однако в конце 1970 начале 1980 годах начинает возрождаться интерес к танго как к танцу. Во многом этому способствовал отток аргентинцев в Европу в поисках работы, а также многочисленные гастроли многих музыкальных оркестров, исполняющих танго.

И сегодня интерес к танго продолжает расти не только в Европе, но и во всем мире.

Танго прошло огромный путь, но этот путь еще далек до конца. История этого танца насыщена легендами, романтикой и ностальгическими воспоминаниями о давно прошедших временах. Танго и сегодня остается удивительно ярким танцем, передающим всю гамму человеческих чувств и переживаний, надежд и разочарований. Как говорят в Аргентине, «Esto es Tango». ТАНГО – ЭТО ТАНГО.
 

Екатерина

Ословед
Джайв


Слово "Jive" похоже на южно-африканское слово "Jev" - "говорить пренебрежительно". Также "Jive" имеет подобное значение в негритянском слэнге: "обман, хитрость", хотя возможно происхождение от английского "jibe", на слэнге - "дешевые товары", "марихуана", и "крутой секс". Точно неизвестно, какое из этих слов было исходным для названия танца и поэтому неясен изначальный смысл, вкладываемый в этот танец.

В 1880-ых танец уже был конкурсным - его танцевали негры на юге США на приз, которым чаще всего был пирог, поэтому танец был известен тогда как Cakewalk (Пирожковая прогулка). При этом танец состоял из двух частей - сначала торжественная процессия пар, затем заводной танец, который участники танцевали в специально сшитых костюмах.

Музыка, сопровождающая этот танец, называлась Ragtime (rag - тряпка), возможно, потому, что участники одевали их лучшие "тряпки" (одежду), или потому что музыка была синкопированая и "рваная". Музыка и танец были популярны среди негритянского населения Чикаго и Нью-Йорка. Этот зажигательный негритянский танец с энергичной музыкой резко контрастировал с ограниченным и строгим танцем верхних белых классов США и Великобритании.

Со смертью королевы Виктории в 1901 общество почувствовало большую свободу и огромное количество простых танцев, основанных на тех же ритмах, стало популярно и среди белых: путаник янки, техасская тряпка , вертлявые скачки, виляющая бочка, На корточках, Чесотка, Молотьба и Жатва (the Yankee Tangle, the Texas Rag, the Fanny Bump, the Funky Butt, the Squat, the Itch, the Grind and the Mooche) . Некоторые имели животные названия, явно сельского и пантомимического характера: хромая утка, несущаяся лошадь, медведь гризли, шаг краба, скала орла, летящая петля, турецкий шаг, прыжок кенгуру, рыбий шаг и скачки кролика (Lame Duck, Horse Trot, Grizzly Bear, Crab Step, Eagle Rock, Buzzard Lope, Turkey Trot, Kangaroo Dip, Fishwalk and Bunny Hug).

Современный джайв все еще имеет Bunny Hug (Скачок Кролика) как один из основных шагов. Это то самое шассе в сторону - когда кролик или заяц пугается, он с места прыгает в сторону.

Все эти танцы исполнялись под музыку рэгтайм, с акцентами на ударах 2 и 4, в синкопированных ритмах. Все они использовали те же самые элементы, что сейчас есть в джайве и других латиноамериканских танцах: шаг, рокк, бросок, баунс (сокращение мышц брюшного пресса), свей (растягивание мышц корпуса - боков) (couples doing a walk, rock, swoop, bounce or sway).

Закрытая позиция считалась неприличной и иногда леди носили специальные корсеты , чтобы не коснутся случайно телом партнера.

Существенные перемены в танцах начались с 1910, когда многие индивидуальные танцы стали танцеваться в паре, танцоры начали комбинировать фигуры, танцуя их в произвольном порядке. Каждый танцор - мужчина превратился в ведущего, в мгновенного балетмейстера. Изменение произошло как изменение интереса от шагов к ритму. Это совпало с песней Ирвинга Берлина "Alexander's Ragtime Band" в 1910, которая быстро стала всемирным хитом.

В двалцатые годы Ragtime трансформировался в популярный свинг. Фокстрот был изобретен Гарри Фоксом для выступления на шоу в Нью-Йорке в 1913 (А лиса здесь совсем не причем). Чарльстон был привезен моряками с островов Кабо-Верде. Потом его стали танцевать в кругу негритянские докеры в порту Чарльстон и он стал популярным в белом обществе после включения его в шоу "Running Wild " в 1923 Зигфилдом Фоллисом (Ziegfield Follies) после его поездки США. Впоследствии этот танец стал настолько популярным, что многие известные танцевальные студии стали в свое расписание включать его, как "PCQ" - "Пожалуйста, чарльстон спокойней" ("Please Charleston Quietly"). Танец "Black Bottom" стал популярным после включения в шоу "ViterGeorge Whiter's Scandals".

Фокстрот, чарльстон, black bottom и различные шаги животных были объединены в танец Lindy Hop (линди-хоп, Перелет Линди) в 1927. Этот танец был назван по имени Чарльза Линдберга, который впервые совершил одиночный безостановочный трансатлантический перелет. Танцоры, как и Линдберг, много времени проводят в воздухе.

В 1934 Кэбом Каллоуэем (Cab Calloway) был описан танец, который он увидел в Гарлеме и назвал безумием нервных скачков (the frenzy of jittering bugs), эта вариация танца стала называться Jitterbug (джэтэберг), который особенно был популярен в Америке в сороковых годах.
 

Екатерина

Ословед
Стрип-дэнс

Стрип-дэнс – это не только эротический танец. Это маленький спектакль. Искусство преподнести себя и красиво раздеться.
Это танцевальное направление родилось, конечно, в увеселительных клубах. В тот момент, когда обнаженное прекрасное тело все еще находилось под строгим социальным запретом, уже существовали заведения, где эстеты могли хотя бы краем глаза взглянуть на его тайное очарование.
Жесткие религиозные догмы всегда относили стриптиз к занятиям порочным. И эти выпады подчас были оправданными. Стриптиз во все времена был разным. И пару сотен лет назад, и сегодня были и есть довольно сомнительного содержания «кабаки», где тела - не обнаженные, а голые, где царит не восхищение, а пошлость и разврат.
В начале 20 века женщина была закрепощена в своих нарядах так, как никогда раньше. Её платье напоминает одиночную камеру, а бесчисленные предметы нижнего белья становятся преградой для неосуществимого «штурма». Она затянута в гигантский корсет, зажимающий её от плечей до бёдер и, к тому же, носит длинную рубашку «cache – corset» (прячущую корсет), панталоны и несколько нижних юбок.
Зигмунд Фрэйд в это время исследует либидо своих современников и, в частности, их отношение к женскому нижнему белью, выступающему преградой для любовного порыва. Раз женское тело заковано в латы, придётся взорвать эту «бесконечную луковицу», набитую запретами и потенциально провоцирующую распутство. Прежде всего, превратим этот сложный процесс «очистки луковицы» в искусство. Так появляется стриптиз, истинными мастерами которого станут американцы, и все эти бесчисленные «Coucher d’Yvette» («Ночка с Иветтой»). Выходят новые фривольные журналы, такие как «La Vie parisienne» («Парижская жизнь») – предок «Playboy», позволяющие подробно и с наслаждением изучить женское нижнее бельё. И - да здравствует «Music – hall» с его маленькими женщинами в чёрных чулках и фру-фру, где буржуа имели возможность расслабиться на публике!

Сегодня профессиональный стриптиз – это действительно красивый танец с эротическими элементам. Профессиональные танцовщицы способны зажечь своего зрителя, совсем не раздеваясь. Главное – это образ. И в этом вопросе все зависит от богатства фантазии хореографа, режиссера действа и самого актера. Если с ролью кошечки в черно-кожаном облачении мы знакомы сравнительно давно, то вот номер танцовщицы-секретарши, наверняка, удивит и покорит и посвященных, и новичков.

Стритизу сегодня принято учиться. Для действующих танцовщиц персональные уроки, курсы или занятия в студии – это открытие новых творческих горизонтов, тренировка пластики, работа над акробатическими элементами. Для новичков «с улицы» - возможность раскрыть свое тело изнутри, стать свободнее, раскованнее в движениях. Овладение искусством эротической пластики способно внести свежесть в отношения с любимым человеком. Ведь, как говорится, стриптизу все возрасты покорны.

У человека, который начинает заниматься стрип-пластикой, меняются движения и даже манера разговора. Девушка, знающая все тонкости стрип-обольщения, парой-тройкой «простых движений» может обаять практически любого мужчину.

Все эти элементы человек, знающий язык жестов, примет за мягкий призыв к близости. Когда женщина касается своего тела или гладит его, она посылает мужчине сигнал: "Я хочу, чтобы это делал ты!". Можно касаться затылка, головы, провести рукой по плечу, ягодицам, бедрам, груди, скрещивать и разводить руки.

Думаю, что каждая девушка в душе кошка: обольстительная, недоступная, дикая, сумасбродная, излучающая секс и уверенность в том, что её хотят, когда ей это нужно, и всё равно хотят, даже когда ей этого совсем не нужно.. Каждая умеет танцевать стриптиз, нужно только попробовать :) А ещё каждая девушка - это ангел, чистый, непорочный, притягательный, излучающий нежность, манящий.. а у ангелов стриптиз получается просто фееричным, потому что никогда не подумаешь, что они такое могут! :D
Но это я так, о бабочках ;)
 

Екатерина

Ословед
Танец Самба - Samba Год создания: 1956

Ритмичный, зажигательный, сексуальный и не менее страстный, чем танго танец!
История самбы - это история слияния африканских танцев, которые пришли в Бразилию с рабами из Конго и Анголы, с испанскими и португальскими танцами, привезенными из Европы завоевателями Южной Америки. В 16 веке португальцы привозили с собой из Анголы и Конго в Бразилию много рабов, которые привезли из Африки такие танцы, как Catarete, Embolada и Batuque. Эти танцы считались в Европе очень греховными, поскольку в процессе танца танцоры касались пупками (именно пупками, а не животами - инквизиция тогда была очень строгая и интеллектуально развитая). Embolada - танец, изображающий корову с шарами на рогах для безопасности, слово "embolada" в Бразилии сейчас - синоним слова "дурацкий". Batuque был настолько популярен, что король Испании Manuel I выпустил закон, запрещающий этот танец. Это танец в круге с шагами, похожими на чарльстон, с парой, танцующей в центре круга. Сложный танец, образованный из комбинирования движений этих танцев с дополнительными колебаниями корпуса и бедер, в 1830-ых назывался Lundu. Позднее в танец были привнесены шаги, которые делают участники карнавала в Рио (прогрессивные, локи и т.п.), которые назывались Copacabana (название пляжа около Рио-де-Жанейро). Постепенно высшее общество Рио-де-Жанейро также стало танцевать этот танец, хотя он был изменен, чтобы можно было танцевать в закрытой танцевальной позиции (которая тогда считалась единственно возможной и правильной). Танец тогда назывался Zemba Queca, и был описан в 1885 как " изящный бразильский танец". Происхождение названия "Samba" неясно, хотя "Zambo" означает "ребенок от негра и местной (бразильской) женщины"(мулат). Танец был позже объединен с Maxixe. Это бразильский круговой танец, описанный как Two Step. Maxixe был известен в США в начале двадцатого столетия. Maxixe стал популярным в Европе после шоу в Париже в 1905. Он танцевался, как шаги польки, исполняемые под музыку хабанеры (Cuban Habanera). Сейчас в самбе есть движение maxixe, состоящее из шассе и пойнта (chasse and point). Вариант самбы под названием Carioca (из Рио-де-Жанейро) стал известен в Великобритании в 1934. Он исполнялся Фредом Астером в фильме "Полет в Рио" ("Flying Down to Rio"), его первом фильме с Джинджер Роджерс (Ginger Rogers). В США Carioca появилась в 1938, популярность ее достигла пика в 1941, после исполнения Кармен Мирандой (Maria do Carmo Miranda da Cunha) в художественных фильмах, особенно в фильме "Той ночью в Рио-де-Жанейро"("That Night in Rio" ). Повышенное внимание к самбе в Европе появилось 1950-ых, когда ей заинтересовалась принцесса Маргарет, которая играла ведущую роль в Британском обществе. Самба была стандартизирована для международного исполнения Pierre Lavelle в 1956. Танец в существующей современной форме все еще имеет фигуры с разными ритмами, передавая многогранное происхождение танца, например ботафога (Boto Fogo) выполняется в ритме ""1 & a 2" - в "четверть счета", а правые роллы ( Natural Rolls) в более простом " 1 2 &",в "половинном ритме". Бедра выводятся между счетами, вывод имеет специальное название - " samba tic ", вес находится впереди, большинство шагов делается с носка. Самбу часто называют "южноамериканским вальсом", ритмы самбы очень популярны и легко видоизменяются, образовывая новые танцы - ламбаду, макарену. Различные варианты самбы - от байона (Baion или Bajao) до Marcha танцуются на карнавале в Рио-де-Жанейро. Истинный характер самбы - это веселье и флирт, заигрывание друг с другом, сопровождающееся "неприличными" движениями таза с различными интерпретациями. Если же этого нет, самба теряет очень многое.
 

Екатерина

Ословед
Румба - Rumba
Год создания: 1913
Румба - это танец африканских негров, привезенных на Кубу в конце прошлого века. Танец почеркивает движения корпуса, а не ног. Сложные, накладывающиеся друг на друга ритмы, выстукиваемые горшками, ложками, бутылками... были более важны для танца, чем мелодия. Румба появилась в Гаване в 19-ом веке в комбинации с европейской Contradanza. Название "Rumba", возможно, происходит от названия танцевальных групп в 1807 году - "rumboso orquestra", хотя в Испании слово "rumbo" означает "путь" ( в русском морской аналог - "румбы", то есть направление), а "rumba" - " куча мала", и "rhum" - это сорт ликера, популярный в Карибском бассейне, при этом любое из этих слов могло использоваться для описания этого танца. Оригинальный смысл названия, по моему мнению, это "путь души". У танца два источника - испанский и африканский: испанские мелодии и африканские ритмы. Хотя основы танца - кубинские, многие движения появились на других карибских островах и в Латинской Америке вообще. Первоначально румба - сексуальная пантомима, исполняемая в быстром ритме с преувеличенными движениями бедер в характере сексуальных агрессивных домогательств мужчины и защитных движений со стороны женщины. Сопровождающие музыкальные инструменты - maracas, claves, marimbola, и барабаны. Сельская форма румбы на Кубе - это подобие брачных танцев домашних животных, скорее представление, чем танец. Движение плечей и сокращение боков в танце - это движения рабов под тяжелой ношей груза в руках. Движение "Cucaracha" (кукарача) - это имитация раздавливания тараканов. Спот-поворот (" Spot Turn") на кубинском селе залихватски танцевался вокруг обода колеса телеги! Популярная мелодия румбы "La Paloma " была известна на Кубе с 1866 года. Вариант румбы, похожий на тот, который танцуется сегодня, появился в США в 1930-ых, как соединение этой сельской румбы с Guaracha, Cuban Bolero (никак не связанному с Spanish Bolero), в дальнейшем добавились Son и Danzon. После первой мировой войны появился танец "Son", танец кубинского среднего класса - с ритмом помедленнее и с движениями поприличнее. Еще медленнее - "Danzon",танец богатого, солидного Кубинского общества с очень маленькими шагами, когда партнерши почти не выводят бедра, но тщательно сгибают и разгибают ноги, показывая их стройность, грациозность и длину. Американская румба - измененная версия танца "Son". Первая серьезная попытка популяризовать румбу в США была в 1913 (Lew Quinn and Joan Sawyer). Десятью годами позже руководитель оркестра Эмиль Колеман специально пригласил музыкантов, играющих румбу, и пару танцоров румбы. В 1925 Benito Collada открыл Клуб El Chico в Greenwich. Оказалось, что еще никто в Нью-Йорке не умеет танцевать румбу! Реальный интерес к латинской музыке появился приблизительно с 1929 года. В конце 1920-ых Xavier Cugat сформировал оркестр, который играл только латиноамериканскую музыку в Coconut Grove (кокосовой роще) в Лос-Анджелесе и играл в ранних звуковых фильмах, например "В веселом Мадриде" ("In Gay Madrid"). Позже в 1930-ых, Cugat играл в Waldorf Astoria Hotel в Нью-Йорке. К концу десятилетия его оркестр был признан лучшим латиноамериканским оркестром десятилетия. В 1935 Джордж Рафт (George Raft) сыграл роль учтивого танцора в фильме "Rumba", первом фильме, в котором герой получает в награду героиню из-за их общей любви к танцам. Через 52 года - фильм "Грязные танцы", когда опытный преподаватель соблазняет начинающую, затем "Strictly Ballroom" c аналогичным сюжетом, и два фильма с обратными сюжетами, когда партнеры - почти начинающие - "Dance with me" 98 года и "Let's it be me". В Европе румба появилась благодаря энтузиазму и блестящим интерпретациям Пьера Лавелла (Pierre Lavelle) - ведущего английского преподавателя латиноамериканских танцев. Он посетил Гавану в 1947, оказалось, что румба на Кубе выполняется с акцентом на счет "два", а не на "раз", как в американской румбе. Эту технику с названиями основных фигур, полученных от Pepe Rivera из Гаваны, он стал преподавать в Англии. В 50-ых он со своей партнершей и женой Дорис Лавелл очень много выступал с показательными выступленями и уроками латиноамериканских танцев в Лондоне. С нововведением - только перенос веса на счет "раз", без фактического шага, танец приобрел очень чувственный и романтический характер. Счет "раз" - самый сильный счет в румбе, не делая шаг на этот счет, мы подчеркиваем музыкой активное движение бедер. Вместе с медленным темпом музыки и музыкальным акцентом на работу бедер танец приобретает лирический и эротический характер. Шаги делаются на счет 2, 3 и 4. Колена выпрямляются и сгибаются на каждом шаге, повороты выполняются между счетами. Вес корпуса находится впереди, все шаги делаются с носка. Pierre Lavelle представил истинную "кубинскую румбу", которая после долгих споров была официально признана и стандартизирована в 1955. В современном танце многие из основных фигур несут в себе старую историю попытки женщины доминировать над мужчиной при помощи женского обаяния. Во время танца всегда есть элемент, когда партнерша "дразнит" партнера и затем убегает, мужчина сначала соблазняется, а затем партнерша его бросает и стремится к другому. Другому партнеру, судье, зрителю... На страстные эротические движения партнерши партнер через ответные движения выражает желание обладать ею, пытается доказать свою мужественность через физическое доминирование, но, увы, обычно ничего не добивается. Румба - дух и душа латиноамериканской музыки и танца. Очаровательные ритмы и движения тела делают румбу одним из наиболее популярных бальных танцев, многие партнерши считают этот танец самым любимым.
 

Екатерина

Ословед
Танец живота
Старая, как мир, история…

История гласит, что впервые танец живота появился в Египте. Изначально он был просто фольклорным танцем, не связанным ни с какими обрядами, и исполнялся в основном для развлечения. Деревенские девушки совершали несколько пластичных движений бедрами, сочетая их с изящными взмахами рук. Сильную половину человечества это приводило в дикий восторг. Почти каждая женщина, невзирая на сословные рамки, пробовала себя на этом увлекательном поприще, желая понравиться мужчинам. Но с приходом в Египет мусульманства популярность танца живота резко снизилась, а потом и вовсе сошла на нет. Девушки из богатых семей уже не исполняли его, так как это считалось недостойным и неприличным занятием. Центры культурной жизни перемещались в Европу, в частности, в Испанию. Взаимопроникновение танцевальных форм и обычаев привело к возникновению испанского танца «фламенко», в основе которого большое количество приемов танца живота. А традиционные восточные танцы в свою очередь вобрали в себя элементы цыганских и испанских танцев.

Казалось, что танец живота, «смешавшись» с танцевальными традициями других культур, как самобытное явление медленно исчезнет. Но в 19 веке, после завоевания французами Африки, прежнее завораживающее искусство заблистало новыми красками. Французские классические хореографы были просто потрясены этим древнейшим танцем. Они добавили в него несколько новых элементов, усложнили некоторые приемы, сделав танец живота более профессиональным. С этого времени восточные танцы начали свое торжественное шествие по танцевальным подмосткам всего мира.

Сегодня танец живота состоит, как правило, из трех частей. Это «таксим», собственно танец и тряска. «Таксим» исполняется под медленную музыку. Во время него танцовщица обычно стоит на месте и импровизирует, слегка играя телом. В отличие от «таксима», сам танец всегда сопровождается весьма энергичной музыкой и изобилует разными элементами. Тряской же называют такое движение коленями, которое создает вибрацию во всем теле. Каждая часть тела в буквальном смысле слова трясется, хотя реально двигаются только колени. Все эти элементы могут сочетаться в танце в абсолютно разной последовательности. Любопытно, что тряска в какой-то степени заменяет массаж, а также благоприятно воздействует на форму груди.

Помните, что главное в танце живота не строгое следование канонам, а темперамент и раскрепощенность. Основа танца живота – это импровизация. Но все же некоторые правила и упражнения для более быстрого овладения искусством танца существуют.

Танец – дело техники

Одно из главных упражнений, которому надо научиться, – это объемные восьмерки вперед и назад. Необходимо добиться максимально плавных движений при неподвижной верхней части тела.Мысленно начертив восьмерку на полу, встаньте в ее предполагаемый центр. Ноги держите на ширине плеч, а левое бедро выставите чуть вперед. Затем, не отрывая пяток от пола, левым бедром прочертите половину воображаемой восьмерки. Назад бедро заводите до максимально «скрученного» положения. После паузы то же самое сделайте правым бедром. В дальнейшем чередуйте эти движения, пока не устанете. Похожее упражнение с восьмеркой можно делать и «по вертикальной плоскости». Бедра поочередно поднимаются то прямо, то сбоку. Очень важно при этом стоять на всей стопе, а колени должны находится в чуть согнутом положении. К чрезвычайно важным и полезным упражнениям можно отнести большие и плавные круги бедрами. При прямой спине мысленно представляйте окружность в горизонтальной плоскости и старайтесь очертить ее сзади ягодицами. Максимально втягивайте при этом живот. Очень продуктивное упражнение – «качалка», его надо выполнять стоя на носочках. Ноги должны быть сведены вместе, а колени – чуть согнуты. Поднимайте бедра поочередно вверх, пупок при этом должен оставаться неподвижным. И, наконец, упражнение с красивым названием «волна». Для его выполнения встаньте на носочки в пол-оборота к предполагаемому зрителю и опишите бедрами окружность снизу-вперед – вверх и назад. Это упражнение чаще всего выполняется с продвижением туловища вперед или в сторону.

Танец живота - это самый завораживающий, сексуальный и женственный танец! В нём раскрывается вся красота женского тела ;)
 

Екатерина

Ословед
Меренге

Из всех известных нам танцев меренге самый легкий!

С тридцатых годов двадцатого века меренге считается национальным танцем Доминиканской Республики. Однако относительно его происхождения существуют некоторые разногласия. Чтобы объективно оценить ситуацию, нам следует осознать различия между историческими корнями музыки и историей самого танца. Музыка меренге связана с Кубой, но танец принадлежит острову Испаньола – третья часть которого сейчас называется Гаити (остальные две трети – это Доминиканская Республика).

Беглый взгляд на историю острова поможет нам понять, почему же ведутся споры.

В 1697 году Испания отдала треть острова Испаньола Франции, которая основала колонию Сен-Доминик. Сен-Доминик стал самой плодородной сельскохозяйственной колонией в западном полушарии. По контрасту, испанская колония Санто Доминго была маленькой и ее экономика зависела от снабжения армии. Преуспевающие французские плантаторы пытались извлечь максимальную выгоду из земледелия, завозя к себе целые толпы рабов.

К 1790 году Сен-Доминик превратилась в пороховую бочку, готовую взорваться в любой момент. Полумиллионом черных рабов управляли только 57000 белых и вольноотпущенников (в Санто Доминго же было 60000 рабов на 65000 белых и вольноотпущенников). Неизбежное случилось – в 1791 году рабы подняли восстание. Когда вольноотпущенники, французские и испанские колонисты узнали о том, что армия черных повстанцев устроила бойню, первой их реакцией было взять и бежать на Кубу, прихватив с собой нескольких рабов. Так они и сделали. Прошло двадцать лет, прежде чем первый из беженцев вернулся на остров. Отсюда – кубинские корни. Постоянно ведутся споры, была ли музыка меренге привезена на Кубу (и оказала влияние на кубинскую музыку), или же по возвращении эмигранты привезли кубинскую музыку в Санто Доминго, и уже она повлияла на развитие меренге.

Гаитянская нация стала независимой в 1804 году и вплоть до 1844 года в одиночку правила целым островом. Отсюда – гаитянские корни танца. По одной из версий, танец пошел от рабов, которые были скованы одной цепью и поэтому во время сбора сахара под барабанный бой волокли одну ногу. Происхождение танца, по всей видимости, связано с рабами французской колонии.

Однако наиболее распространенная версия такова: великий герой революции, который хромал на одну ногу, был приглашен на празднество в честь победы. Было известно, что он любил танцевать, но все, что он мог – это шагать одной ногой и волочить к ней другую. Из уважения к герою все стали подражать его движениям и так родился меренге. Но проблема в том, что никто не знает, после какой именно революции это произошло. Если после восстания рабов, то танец родился на Гаити. Если после восстания испанских эмигрантов против гаитян, то танец может быть и доминиканским и гаитянским - в зависимости от того, кто рассказывает эту сказку.

Кто изобрел танец и как он развивался – на самом деле эти вопросы никому не важны, кроме самих доминиканцев и гаитян. Важен образный строй историй: обе описывают шаги в сторону и волочение одной ноги вплоть до контакта с другой – базовые степы меренге.

С середины восемнадцатого века и на Гаити и в Доминиканской Республике меренге развивалась как деревенская музыка. Однако гаитянская «meringue» пелась на креоле и обладала более медленным и ностальгическим звучанием, основой которого была гитара.

Наиболее типичная для меренге форма танца сохранилась только в деревенской местности Доминиканской Республики. Она состоит из paseo (музыкальная ходьба), основной части и «jaleo». Со временем paseo исчезла, основная часть стала длиннее, а jaleo вытеснили новые экзотические ритмы.

В те дни меренге выглядел следующим образом: мужчина держит женщину на манер вальса и они делают степы в сторону (paso de la empalizada – степ–«изгородь»). Затем следует поворот по часовой стрелке или против нее при закрытой танцевальной позиции (merengue de salon) или индивидуальный поворот при удерживании по меньшей мере одной руки партнера (merengue de figura).


Незнакомые танцоры и пожилые пары обычно находятся на уважительной дистанции друг от друга, парочки же разбивают барьеры личного пространства и обнимаются. Заразительный ритм повышает адреналин у людей любого возраста – и тогда вы можете представить, как танцуете босиком под пульсацию Карибского заката.


НАСЛЕДИЕ МЕРЕНГЕ

Между 1838 и 1849 годами танец под названием URPA или «UPA Habanera» (UPA из Гаваны), который включал в себя движение под названием меренге, получил распространение в странах Карибского бассейна. Является URPA предтечей меренге или нет – неизвестно. Дошедшие до нас документы середины девятнадцатого века свидетельствуют, что меренге был очень популярен у крестьян. Однако из-за непристойных текстов моралисты в городах сочли танец вульгарным и плебейским. Прочитайте и решите сами:

Все проститутки из Сантьяго
И у них хорошая жизнь в Сантьяго
И из-за этой чертовой бабы
Я из Сантьяго сам

Известно, что в 1875 году моралист Ulises Francisco Espaillat начал кампанию против меренге. Однако к тому времени танец, особенно в регионе Кибао, так прочно вошел в крестьянскую жизнь, что ничего не получилось. Кроме того, образованные музыканты из города знакомились с ритмом меренге – и музыка постепенно стала изменяться. К началу двадцатого века музыканты упрочили существование меренге и сделали попытки представить результаты своей работы городским танцевальным залам. Но текстовое содержание никто не менял и из-за этой «черни» подавляющая часть общества продолжала отвергать эту музыку. Ситуация стала меняться с 1930 года.

В 1930 году Рафаэль Л. Труджилло для своей президентской кампании использовал несколько музыкальных коллективов «Perico Ripiao». При помощи недавно созданных радиостанций он сделал так, что меренге услышали в городах. Труджилло стал диктатором Доминиканской Республики и удерживал власть до тех пор, пока в 1961 году его не убили. Он был из крестьян и продвигал меренге как символ гласа нации и культуры бывших низших слоев общества. Хотя Труджилло не давал особенно развернуться меренге в традиционном для этой музыки ключе общественного комментирования, он подарил танцу танцплощадки – и музыканты начали свое дело. Вскоре появились большие меренге-оркестры с пианино и медными духовыми для угоды новой городской аудитории.

Самые аристократические классы не принимали меренге до тех пор, пока одна аристократическая чета из Сантьяго не попросила Luis Alberti написать песенку меренге с «приличным текстом» по случаю пятнадцатилетия их дочери. Alberti написал «Compadre Pedro Juan». Песня не только одобрили: она стала хитом. И с помощью радио музыка меренге начала стремительно распространяться. Появились варианты ритмов и, хотя крестьяне по-прежнему играли меренге в старой манере (фольклорная меренге), в городах родился новый музыкальный стиль, с которым сегодня мы связываем современную меренге.

Первоначально меренге понимали как музыку людей, владеющих инструментами, которые есть почти у всех и которые легко достать: Dominican Bandurrias* (доминиканская бандуррия), Tres и Cuatro** (куатро). В конце 19 века в регионе Кибао бандуррию вытеснил немецкий аккордеон. Музыку стали играть на аккордеоне, саксофоне, боксбассе с металлическими щипковыми клавишами, гуайано (простейшем перкуссионном инструменте, сооруженном из кухонного инвентаря – рифленой дощечке, по которой "скребут" палочкой) и двустороннем барабане тамбора, по которому били рукой и палочкой.


Однако из-за мелодических ограничений аккордеона музыка тоже стала ограниченной – и меренге переделали.

С шестидесятых звучание меренге изменилось: аккордеон заменили на электрогитару, клавишные и синтезаторы. Сейчас на первый план выдвигают саксофон, вводящий в музыку резкие, четкие «заикания», на которые старый стиль только намекал. Несмотря на перемены в составе инструментов, базовый ритм меренге остался каким был: тамбора поддерживает быструю пульсацию для паттернов конги, а турецкие барабаны, оснащенные педалью, создают ритм 1-2-1-2.

Сегодня во всем мире меренге считают сестрой сальсы, и многие телодвижения сальсы идентичны движениям меренге.

*Bandurria – бандуррия - испанский струнный щипковый инструмент с шестью сдвоенными металлическими струнами. Играют на бандуррии плектром (медиатором), характерным приемом звукоизвлечения является тремоло.

**Cuatro - куатро - небольшая венесуэльская гитара. В 16 веке была завезена в Америку, где сохранилась в своем четырехструнном варианте. Состоит из корпуса и грифа с 14-ю ладами
 

Екатерина

Ословед
ЯПОНСКИЙ ТАНЕЦ

Традиционное танцевальное искусство Японии, возникшее в древности как элемент религиозных ритуалов, на протяжении столетий развивалось в тесном контакте с различными жанрами музыкального и театрального искусства. Японские танцы традиционно разделяются на «май», отличающиеся ритуальной сдержанностью, и «одори», для которых характерны более грубые, приближенные к повседневной реальности, движения.
Происхождение
Считается, что направление «май», которое буквально обозначает «вращение», берет свое начало в движениях храмовых прислужниц, которые кружились в ритуальных танцах с ветвями священного дерева «сакаки» и бамбука в руках, приносивших, согласно преданию, плодородие и спокойствие земле. Со временем движения и жесты, которым служительницы храма придавали религиозное значение, были формализованы, и ритуальный танец стал исполняться на сцене жрицами с веерами в руках. В дальнейшем он развился в хореографическое искусство театра «но». Как и древние ритуалы, от которых они произошли, танцы но и май исполняются обычно одним или двумя актерами, кружащими по сцене с веерами или подобными предметами в руках.
«Одори», что буквально означает «прыжок», возникло под влиянием определенных сект «дзёдо» — буддийской секты, широко распространенной в средние века среди простого народа. Секта дзёдо делала основной акцент на повторяющемся пении простых молитв («нэнбуцу») группами верующих, которые иногда подпрыгивали в ритме аккомпанировавших колоколов в примитивном танце, называвшемся «нэнбуцу одори». Вплоть до возникновения театра «кабуки» в период Эдо одори оставались именно такими видами танца, исполнители которых уделяют максимум внимания музыке, а не символическому значению жестов. Этот тип танцев существует в каждом районе Японии в виде народного танца «бон одори».
Хореография театра Кабуки
Танец «кабуки» первоначально считался разновидностью «одори», так как происходит от «нэнбуцу одори» и исполнялся под аккомпанемент популярных песен. Этот вид танца впервые исполнялся предположительно в начале VII в. в Киото труппой танцовщиц под руководством настоятеля храма Идзумо. Однако после 1629 г. правительственным указом, направленным на сохранение общественной морали участие женщин в кабуки было запрещено. После этого в кабуки играли мальчики, а когда и это было запрещено правительством - совершеннолетние актеры мужского пола. С развитием танца кабуки эта форма танца одори в значительной степени обогащалась элементами таких жанров «май», как «кусэмаи» — танец с речитативом, разнообразными формами «но» и «кёгэн». В то же время танец кабуки все теснее сплетался с драматическим сюжетом, превращаясь в театральную форму, дошедшую до наших дней.
Термин «нихон буе», или классический японский танец, скорее относится к хореографическому искусству кабуки и его производным, чем к древним и средневековым жанрам. Сегодня более 150 школ классического танца передают из поколения в поколение художественные стили лучших актеров и танцоров кабуки, живших в разные эпохи.
Современные направления в хореографии
В последние годы японские хореографы поставили ряд обработок западных пьес, включая «Фауста» и «Кармен», совмещающих технику японского классического танца с достижениями хореографии Запада. И хотя эти попытки все еще на стадии экспериментов, они, в частности, освободили искусство женского танца от жестких канонов японской традицинной хореографии, сделали женские партии более смелыми и экспансивными. Западное хореографическое искусство, широко изучаемое и популярное в Японии, не только оказало воздействие на развитие традиционного японского танца, но и испытало обратное влияние. Примеры этого влияния — балет «Кабуки», поставленный по классической пьесе театра кабужи «Ка-надэхон тюсингура» Морисом Бежаром и представляющий переработку классического репертуара кабуки, типа «Додзёдзи» и «Сагнмусумз», в стиле танца фламенко.
Танец играет огромную роль в культе синтоизма (кагура), а также в театрах но и кабуки (с. 20). Так, во всех более крупных синтоистских храмах есть подиум, положивший в XIV в. начало развитию театра но. Традиционные формы японского танца подчинены строгим каноническим правилам и характеризуются символизмом движений м жестов, без знания которых понять смысл действа практически невозможно. Непосвященному зрителю остается только восхищаться великолепными костюмами исполнителей и строгой ритмичностью музыки.
Противоположностью традициям стал возникший в 50-е гг. танец буто, шагнувший с тех пор далеко за пределы Японии и приобретший невероятную популярность. Экспрессивные позы, обозначающие опустошение души, грим, обнаженность тела и поиски границ возможного — всё это позволяет почувствовать другую сторону Японии, очень далекую от дзэн и конфуцианства.
 

Екатерина

Ословед
Знаете, я сама не танцую, но если бы я танцевала, то хотела бы, чтобы это вызывало во мне примерно такие мысли:

Красивый танец танго.. завораживающее пятно алого платья. Как натянутая струна, страстный тореадор. И кто-то третий, незримый.. Танец страсти и смерти. Танец выбора и отказа.
Так говорил мой преподаватель когда-то давно.
С тех пор я больше не танцевала танго. Этот танец не дано танцевать просто так. Без подготовки, без страсти, без капельки смерти.. в бурлящей крови.
Это танец-пощечина.
Взгляд глаза в глаза, алая роза в волосах. Это красиво, но жестоко.
Я танцую танго, скользя по краешку лезвия душой. Мой тореадор растеряно утирает пот, скрывшись в полумраке. Ему не дано.. А третья пара глаз незримо наблюдает за нами..
Странная пара глаз, гипнотизирует розу в моих волосах, проживая чужую жизнь, где-то в глубине своей голодной ночи..
Танго - это взрыв на глазах у многих.. закрой глаза, мой яркий алый слишком режет взгляд.
Закрой глаза, потому что я танцую не для тебя. Закрой глаза и скройся в своей зловонной фальши.
Пара резких взмахов кистей, пара разлетов пышных юбок…

Эй, Саломея! Заставь удивиться.
Нервные лица, хмурые лица,
Тех, кто грустит об ушедшем напрасно
Не замечая насколько прекрасно,
То, что еще не успело разбиться.
Эй, Саломея! Танцуй Саломея!
Пусть хоть завидуют, раз не умеют..

автор Deja Vu
 
все канеш хорошо но дай же уже звуки они ярче слофф особ самбу хачу !!! )))
 

TpyqHbIu pe6eHoK

Ословед
БРАНЛЬ

Бранль первоначально был народным танцем.Бальный бранль,родился из народного танца,отличался только большим количеством реверансов,в нем было больше плавных,закругленных движений,больше церемонности,тогда как в народном бранле было больше отстукиваний.Основные движения бранля вошли в павану,куранту и гавот.Бранль делится на бранль простой,бранль двойной,бранль двойной с репризой,Веселый бранль.
 

TpyqHbIu pe6eHoK

Ословед
ПАВАНА

Павана-один из старейших известных нам исторических танцев.Павана и куранта в 16 веке являлись основными и самыми любимыми танцами.Только появление менуэта заставило забыть сперва куранту,а затем и павану.Туано Арбо говорит о паване,чо она пришла из Испании при Генрихе3.Но вся позднейшая история музыки определенно указывает на итальянское происхождение апваны.Какого бы ни было происхождение паваны,заслуга этого танца заключается в том,что впервые общественный танец приобретает в ней определенные формы,характер и стиль исполнения.Павана позволяла показать обществу величавость танцующих и богатство костюмов.Движение паваны-это ход красующейся павы.
 
Сверху